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A vida de Willem Dafoe como agricultor e cuidador de alpacas GREGÓRIO BELINCHÓN YAGÜE

Olá a todos de Barcelona: ‌ O Festival de Cinema de Barcelona começou ontem, então vim passar alguns dias assistindo a filmes e fazendo entrevistas. Aliás, Barcelona sedia festivais de cinema fantásticos como este, o D'A, o In-Edit e o Americana. Que inveja! Enfim, vamos ao que interessa. A primeira estrela a chegar em Barcelona ontem foi Willem Dafoe (acima, ontem em Barcelona), que apresentou o filme de Miguel Ángel Jiménez, O Hospedeiro , e a entrevista valeu muito a pena.

Emma Suárez e Willem Dafoe, em A Hospedeira.

Willem (um apelido do ensino médio, uma piada com a versão holandesa de seu nome, William) Dafoe divide seu tempo entre sets de filmagem, Nova York e (a maior parte) uma fazenda de alpacas que possui perto de Roma. Eis a explicação. "É o melhor lugar para observar o fluxo da vida. E observar a natureza é a melhor maneira de compreender muitos dos problemas atuais", disse-me ele nesta entrevista. ‌ Ultimamente, ele tem mudado o rumo da sua carreira, priorizando o teatro. “O contato social é o que vai nos salvar. As comunidades foram criadas para compartilhar. Até mesmo para compartilhar preocupações. E isso também vale para o teatro. O teatro está se tornando cada vez mais importante porque muitas pessoas têm vidas virtuais. O teatro é uma forma de encontrar a vida, de encontrar outras pessoas e de nos encontrarmos. Você mergulha em algo que não controla. E quando você vai ao teatro, essa experiência coletiva é fundamental. Fazer coisas em grupo constrói empatia, constrói uma visão compartilhada. E também nos protege daquelas poucas pessoas que querem controlar todos os outros. E sabemos que esse é um grande problema hoje em dia.” É por isso que ele é atualmente o diretor artístico da Bienal de Teatro de Veneza e é por isso que, em 27 de março, um de seus textos foi lido em apresentações ao redor do mundo para celebrar o Dia Internacional do Teatro.

Willem Dafoe e Simonetta Solder durante uma apresentação de No Title. An Experiment  na Bienal de Teatro de Veneza.

A carreira de Dafoe é impressionante. Pelo seu talento, seu instinto e por possuir um rosto único. No Festival de Berlim de 2018, quando recebeu o Urso de Ouro Honorário, ele disse que  era uma cor nas mãos dos artistas. Ontem, na frente dele, disparei: "Ora! Você é Willem Dafoe!", ao que ele respondeu com risos e agradecimentos: "Olha, sim, eu não sou apenas uma cor. O conceito é que, como ator, você é matéria. E quero fazer uma distinção. Obrigado pelo 'Sério?', mas se você é matéria, você é flexível. Você não é um intérprete, você é você mesmo. É uma posição poderosa. A cor em uma pintura a óleo tem uma posição poderosa. Não diga 'apenas a cor'." A cor é forte. A cor é a realidade. Como ator, você abraça essas coisas. E em relação ao diretor, você também é um artista. A cor colabora com o artista. Eu colaboro com o cineasta. Ao mesmo tempo, quero ir contra a visão de alguém, especialmente a minha, porque eu já sei para onde ela vai. Esta é uma forma de me impulsionar, uma forma de me desafiar. E é uma forma de ter uma vida interessante. Diretor, diga-me o que você vê, e nós colaboraremos nessa criação conjunta." E conversamos sobre outras coisas, que você pode ler aqui. Continuarei contando histórias do Festival de Cinema de Barcelona.

Isabelle Huppert: quando está de bom humor, ela é ótima.

Isabelle Huppert, esta segunda-feira em Madrid. / DIEGO LA FUENTE

No último fim de semana, Isabelle Huppert esteve em Madri apresentando a peça (na verdade, um monólogo dela acompanhada por atores que não falam) Bérénice, uma criação dramática concebida como uma adaptação bastante livre  do clássico de Jean Racine, idealizada e dirigida pelo italiano Romeo Castellucci. Na segunda-feira, Huppert promoveu o filme A Mulher Mais Rica do Mundo, outra adaptação bastante livre, desta vez da estranha relação entre a octogenária Liliane Bettencourt, dona do império L'Oréal, que no final da vida doou centenas de milhões de euros ao fotógrafo François-Marie Banier. A família de Banier acusaria posteriormente a família da empresária idosa em tribunal de explorá-la. ‌ Aqui está a crítica do filme, que se baseia no talento de Huppert (escrita por Elsa Fernández-Santos)... E na segunda-feira fui ver Huppert, com quem sempre se trava uma batalha dialética: ela é durona, exigente e, bem, às vezes um pouco de rock and roll é bem-vindo. A atriz francesa já completou 73 anos, não diminuiu o ritmo e gostou de comparar a peça, sobre a princesa judia apaixonada pelo imperador romano Tito, e o milionário. "Na arte, também nos interessamos pela miséria humana, pela solidão... Embora sim, a riqueza gere muitas fantasias nos seres humanos, e a miséria só provoque piedade." Consciente ou inconscientemente, quase todos os humanos anseiam por possuir poder e/ou dinheiro. "Curiosamente, eles levantam muitas questões. São quase tão inatingíveis que aqueles que os possuem são automaticamente suspeitos." Huppert falou comigo sobre muitas coisas, incluindo sua saudade de Claude Chabrol, nesta entrevista.

O sucesso de 'Kill Bill: The Whole Bloody Affair' é tremendo.

Uma Thurman, na sequência de luta que estreou em preto e branco e agora pode ser vista em cores na versão estendida,

Como mencionei, há oito dias assisti à estreia em Madri da cópia em 70mm de Kill Bill: The Whole Bloody Affair, para aproveitar o evento e concluir este relato sobre essas quatro horas e meia (incluindo um intervalo de 15 minutos). Não vamos nos enganar: provavelmente é o filme de Tarantino com o pior roteiro (basicamente, é só Uma Thurman  lutando com alguém repetidamente, embora a narrativa não linear dê mais impacto à história) e aquele em que ele usou mais referências sem fazer nenhum esforço para escondê-las. Aliás, ele as enfatiza. No entanto, talvez seja sua obra mais alegre, aquela em que ele mais deu vazão à sua criança interior. Toda a iconografia asiática que ele tanto ama está lá. Além disso, com  Kill Bill  ele aprendeu a filmar sequências de ação. E é o filme em que ele criou uma lenda,  Beatrix Kiddo, uma heroína na qual Uma Thurman se imergiu, emprestando-lhe sua aura e presença. ‌ Aqui, vou contar tudo sobre o processo de criação e as novidades, incluindo a remoção do diálogo em que Bill revela, no final da primeira parte, que a filha da Noiva está viva. Em ambas as versões, a Noiva descobre a existência da filha no ato final; em " The Whole Bloody Affair", o público descobre a existência da filha junto com a protagonista. A cena de Thurman no carro, no início do Volume 2 , onde ela fala para a câmera, também foi removida; a sequência de animação que explica a origem de O-Ren Ishii (Lucy Liu) foi ampliada. E a impressionante luta na Casa das Folhas Azuis, onde a Noiva enfrenta dezenas de capangas de O-Ren (os chamados 88 Maníacos, vestidos de preto como os personagens de Battle Royale), foi ligeiramente estendida. E, acima de tudo, agora está em cores. Sangue por todo lado, manchas de sangue no agasalho amarelo de Beatrix. Aliás, uma sequência extra que estava no DVD, mostrando as habilidades de artes marciais de Bill, não foi recuperada. ‌ E o que realmente me chamou a atenção foi o seu sucesso nos cinemas. Estreou em quarto lugar em bilheteria total no último fim de semana, mesmo com algumas salas exibindo o filme apenas uma vez por dia e outras duas (428.112 euros e uma média de 1.853 euros por tela, a terceira melhor marca). Um grande triunfo: Beatrix ficaria satisfeita.

O que estou lendo: Vida longa aos cantores folclóricos!

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Cada um tem suas paixões, e Juanra López se sente atraído pelas cantoras de flamenco. Por isso, publicou o livro *Yo, folclórica* (Ediciones Agoeiro), no qual analisa esse grupo de artistas. Conheço bem a paixão de Juanra (sim, eu mesma apareço no livro na seção sobre cinema) e sua defesa dessas criadoras, como ele destaca no prólogo: “Até a Real Academia Espanhola inclui a seguinte definição: 'Pessoa que se dedica ao flamenco ou ao canto influenciado pelo flamenco (usado em sentido pejorativo)'. No entanto, foram essas mulheres que abriram novos caminhos em uma ditadura autárquica que, paradoxalmente, não restringiu as possibilidades de transcender nossas fronteiras para um gênero que não pertencia nem a vencedores nem a vencidos em uma Espanha dividida em duas. Poucos gestos são mais democráticos e conciliadores do que uma canção de flamenco bem interpretada no palco.” ‌ Cada um dos 25 capítulos é dedicado a um cantor de flamenco diferente, e Juanra conversou com todos que puderam lhe fornecer informações. O resultado é um livro escrito por um fã apaixonado, aliado ao olhar de um jornalista, que conta histórias, mas não toma boatos como verdade. Portanto, você vai se divertir muito com * Yo, folclórica* (Eu, Cantor de Flamenco) .

Outros tópicos interessantes    Ainda há muito a discutir:

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Relatório anual sobre cinemas na Espanha. Na terça-feira, a Federação Espanhola de Cinemas (FECE), que representa a maioria dos cinemas na Espanha (a maioria, mas não todos), divulgou seu relatório anual. Além dos números de bilheteria já conhecidos para 2025, o relatório indicou que, apesar de uma queda no número de espectadores, o número de cinemas permaneceu estável, com 760 cinemas (+1,1%), 3.562 telas (+0,1%) e 732.080 lugares. O melhor fim de semana para os cinemas foi de 26 a 28 de dezembro, com 9,9 milhões de espectadores, e o dia de maior arrecadação foi 2 de julho, com € 554.244. A Comunidade de Madri liderou o ranking regional com 13,9 milhões de espectadores, seguida pela Catalunha com 11,9 milhões e pela Andaluzia com 9,4 milhões. Aliás, a queixa da FECE é totalmente justificada: as Comunidades Autónomas são responsáveis ​​pela distribuição dos subsídios aos cinemas (uma questão de transferências), e quatro delas não o fizeram. Isto foi sublinhado pelo presidente da FECE, Álvaro Postigo, e pela sua diretora-geral, Almudena Fernández-Golfín, que exigiram uma distribuição "não discriminatória" dos subsídios do ICAA ao setor. Segundo o relatório, Aragão, Astúrias, Extremadura e La Rioja não desembolsaram estes subsídios, deixando os seus cinemas sem este apoio. Além disso, o relatório destaca discrepâncias na distribuição territorial, com valores por sala a variar entre 1.782 € em Madrid e 2.277 € na Andaluzia, e 3.807 € na Cantábria e 3.632 € em Navarra. E tudo isto acontece precisamente quando as últimas semanas têm sido impressionantes em termos de receitas de bilheteira para o cinema espanhol.

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Mais de dois mil cineastas assinaram uma carta aberta contra a fusão entre a Warner e a Paramount. Na segunda-feira, mais de mil profissionais do cinema assinaram uma carta aberta denunciando o acordo, afirmando que ele “prejudicará uma indústria do entretenimento já fragilizada, levando a menos oportunidades para criadores, menos empregos no ecossistema de produção, custos mais altos e menos opções para o público”. No dia seguinte, o número dobrou, ultrapassando 2.000, e a lista continua a crescer, com muitos preocupados com “a queda acentuada no número de filmes produzidos e lançados e uma redução na diversidade de histórias que recebem financiamento e distribuição”. Sabemos que essa fusão é, de fato, um evento sísmico, não é? Aliás, a Netflix, a outra antiga concorrente da Warner, anunciou resultados melhores (que, aliás, não foram tão bons quanto o esperado), graças aos US$ 2,8 bilhões que recebeu da Warner Bros. Discovery para rescindir o contrato de venda de US$ 78 bilhões que tinha com a Netflix. Vamos lá, já que eles quebraram o contrato de sinal... Ao mesmo tempo, foi anunciada a aposentadoria do cofundador (muitas vezes se esquece que a invenção não foi dele) e presidente da Netflix, Reed Hastings, que deixará o conselho administrativo após quase três décadas à frente da empresa.

Aina Clotet, em Viva.

Aina Clotet levará seu primeiro longa-metragem para Cannes. Os diversos festivais que acontecem simultaneamente em Cannes — a Quinzena dos Realizadores, a Semana da Crítica e o ACID — anunciaram suas programações. Entre eles está a diretora, roteirista e atriz Aina Clotet com seu primeiro longa, Viva, após sua codireção e criação da série This Is Not Sweden . Seu filme se passa em um futuro marcado por uma seca devastadora e conta a história de Nora, uma mulher que retoma o controle de sua vida após vencer um câncer de mama. Seus planos com seu parceiro de longa data são abalados pela chegada de Max, um homem mais jovem e independente com quem ela inicia um relacionamento apaixonado. O ACID apresenta dois filmes de diretores iranianos. Ah, e a Quinzena dos Cineastas terá uma programação imperdível: lá você poderá conferir os trabalhos mais recentes de Radu Jude, Quentin Dupieux, Lisandro Alonso, Dominga Sotomayor, Kantemir Balagov e Alain Cavalier.

Alejandro Amenábar, na Faculdade de Ciências da Informação da Universidade Complutense de Madrid, no início da exibição de Tesis nesta terça-feira , em comemoração ao seu 30º aniversário. / JAIME VILLANUEVA

'Tese' completa 30 anos. Meu Deus, alguns aniversários são demais. Em 12 de abril de 1996, 'Tese', o primeiro longa-metragem de Alejandro Amenábar, estreou nos cinemas. As filmagens aconteceram no verão anterior, principalmente na Faculdade de Ciências da Informação da Universidade Complutense de Madrid (eu sei disso porque estive lá, mas conto em outra ocasião). Na terça-feira, no auditório lotado da mesma Faculdade, 400 pessoas assistiram a 'Tese', a maioria pela primeira vez. Amenábar parecia relaxado e feliz, compartilhando anedotas fantásticas e transmitindo sabedoria. E, por acaso, anunciou a remasterização de 'Tese', pois o filme nunca foi visto da maneira como ele o idealizou. E não estamos falando de edição: “Antes, os filmes eram rodados a 24 quadros por segundo, enquanto as transmissões de televisão eram a 25 quadros por segundo. Então, quando se filmavam cenas com monitores, para sincronizar os processos e as imagens, um dos dois elementos era manipulado. Alguém — não vou citar nomes — decidiu que  Tesis  deveria ser filmado a 25 quadros por segundo, mesmo tendo sido projetado a 24. É por isso que o filme tem cerca de cinco minutos a mais do que deveria.” Quando o cineasta viu uma versão australiana em 4K de  Tesis,  decidiu encarar o desafio e ajustar a velocidade do thriller corretamente  . “Também quero que tenha som surround 5.1, o que ajudará a melhorar e esclarecer a dinâmica entre os personagens, e vou remover uma cena desnecessária.” Veja como foi o dia.

Eva Libertad recebendo o prêmio ao lado do incansável produtor Mike Downey.

'Sorda' ganha o Prêmio do Público LUX do Parlamento Europeu. 'Sorda', de Eva Libertad, continua a colecionar prêmios. O mais recente é o Prêmio LUX do Parlamento Europeu. Se não me engano, é o primeiro filme espanhol a ganhar este prêmio, e concorreu, vale ressaltar, com  ' O Valor Sentimental' , de Joachim Trier , ' Um Simples Acidente', de  Jafar Panahi , ' Ame-me com Ternura' , de Anna Cazenave , e 'Christy ', de Brendan Canty. O Prêmio do Público LUX é votado conjuntamente pelo público europeu e pelos eurodeputados, com cada grupo representando 50% do resultado final.

Novos lançamentos desta semana

Já falamos sobre A Mulher Mais Rica do Mundo. Vamos passar para outro download, começando com o surpreendente e ao mesmo tempo delicado A Poet: ‌ 'Um poeta'. Simón Mesa Soto.

Ubeimar Ríos, em Um Poeta.

Boyero também concorda (digo "também" porque somos muitos fãs) e explica: "O protagonista pode irritar, mas também dá pena. E mesmo que tudo possa ser extremo, exala uma aura inconfundível de verdade. Os diálogos e os personagens têm o poder de fazer você se importar com eles." ‌ Aqui está a análise completa. ‌ 'Prime Crime': Uma História Real. Gus Van Sant .

Dacre Montgomery e Bill Skarsgård, em Prime Crime: Uma História Real.

Javier Ocaña destaca: “Gus Van Sant retorna com um exercício estilístico que presta homenagem (e emula) o cinema dos anos setenta, particularmente o de Sidney Lumet,  em uma história com vários paralelos com  Um Dia de Cão.” E aqui está a crítica. ‌ 'Renoir'. Chie Hayakawa.

Yumi Kawai (à esquerda) e Yui Suzuki, em Renoir.

Ocaña também comenta que a cineasta japonesa "focaliza seu olhar em uma menina de 11 anos que as circunstâncias parecem querer transformar em uma adulta precoce: um pai com câncer terminal e uma mãe seca e distante, sobrecarregada pela situação, incapaz de vislumbrar a solidão da filha". ‌ Aqui está a análise completa. ‌ 'Landa'. Gracia Querejeta e Miguel Olid.

Alfredo Landa, em Atraco a las tres, seu primeiro filme.

Elsa Fernández-Santos escreve: “Uma porta de entrada bem articulada através de depoimentos, memórias e filmes, com os quais Querejeta e Olid oferecem um exercício estimulante de luz e sombra que evita a hagiografia de um ator extraordinário que ninguém esperava.” ‌ E aqui está a análise completa. ‌ Vou me despedir lembrando de Valerie Lee, a atriz que faleceu aos 94 anos e que provavelmente foi a última sobrevivente do elenco original de 1939 de O Mágico de Oz : ela era uma das crianças Munchkin no musical com Judy Garland; aquelas crianças Munchkin eram apelidadas de Munchkids. Também nos deixou uma lenda entre os cinéfilos, o ator ítalo-alemão Mario Adorf, cujo bigode lhe trouxe fama em mais de 200 filmes. Ah, e John Nolan, o ator que era tio dos irmãos Nolan, também faleceu . ‌ Para X e BlueSky, para qualquer dúvida, meu perfil é  @gbelinchon . ‌

SOBRE A EMPRESA GREGÓRIO BELINCHÓN Ele é redator da seção de Cultura, especializado em cinema. Anteriormente, trabalhou nos jornais Babelia, El Espectador e Tentaciones. Iniciou sua carreira em uma rádio local de Madri e colaborou com diversas publicações sobre cinema, como Cinemanía e Academia. É formado em Jornalismo pela Universidade Complutense de Madri e possui mestrado em Relações Internacionais.

La vida de granjero y cuidador de alpacas de Willem Dafoe GREGORIO BELINCHÓN YAGÜE

Hola a todos desde Barcelona: ‌ Ayer arrancó aquí el BCN Film Fest, así que me he venido unos días a ver películas y a hacer entrevistas. Por cierto, Barcelona alberga estupendos festivales de cine como este, el D’A, en In-Edit o el Americana. Qué envidia. Bueno, al jaleo. La primera estrella que pisó ayer Barcelona fue Willem Dafoe (arriba, ayer en Barcelona), que presentó El anfritión, de Miguel Ángel Jiménez, y mereció la pena la entrevista.

Emma Suárez y Willem Dafoe, en El anfitrión.

Willem (es un apodo del instituto, un chiste sobre la versión en neerlandés de su nombre, William) Dafoe vive parte de su tiempo en rodajes, parte en Nueva York y parte (la mayor) en una granja de alpacas que posee cerca de Roma. Ahí queda eso. “Es el mejor sitio para ver el río de la vida. Y observar la naturaleza es la mejor manera de entender muchos de los problemas actuales”, me respondió en esta entrevista. ‌ En los últimos tiempos está virando su carrera priorizando el teatro. “El contacto social es lo que nos va a salvar. Las comunidades se crearon para compartir. Incluso para compartir las preocupaciones. Y también en el contexto del teatro. El teatro se hace cada día más importante porque muchas personas tienen vidas virtuales. El teatro es el modo de encontrar la vida, de encontrar a otras personas y de encontrarnos a nosotros mismos. Te sumerges en algo que no controlas. Y cuando vas a un teatro, es fundamental esa experiencia colectiva. Hacer cosas en grupo construye empatía, construye una propuesta común. Y también nos protege de esa poca gente que quiere tener controlada a toda la demás. Y sabemos que es un gran problema de estos días”. Por eso es actualmente el director artístico de la Bienal de Teatro de Venecia, y por eso el pasado 27 de marzo fue un texto suyo el que se leyó en representaciones de todo el mundo para celebrar el Día Internacional del Teatro.

Willem Dafoe y Simonetta Solder, en un momento de No Title. An Experiment en la Bienal de Teatro de Venecia.

La carrera de Dafoe es impresionante. Por talento, por olfato y porque posee un rostro único. En la Berlinale de 2018, cuando recibió el Oso de Oro de Honor, dijo que era un color en manos de los artistas. Ayer, delante de él, se me escapó un "Come On! You are Willem Dafoe”, que respondió con carcajadas y agradecimientos: “A ver, sí, no solo soy un color. El concepto es que como actor eres un material. Y quiero hacer una distinción. Gracias por el ‘¿De verdad?’, pero si eres material, eres flexible. No eres un intérprete, sino tú mismo. Es una posición poderosa. El color en una pintura al óleo posee una posición poderosa. No digas ‘solo el color’. El color es fuerte. El color es la realidad. Como actor abrazas esas cosas. Y en relación con el director, eres un artista también. El color colabora con el artista. Yo colaboro con el cineasta. A la vez, yo quiero ir contra la visión de alguien, especialmente contra la mía, porque ya sé hacia dónde va. Esto es una manera de sobrepasarme, un camino para autodesafiarme. Y es un modo de tener una vida interesante. Director, dime lo que ves y colaboraremos en esa creación conjunta”. Y hablamos de más cosas, que podéis leer aquí. Os seguiré contando historias del BCN Film Fest.

Isabelle Huppert: cuando está de buenas, es muy buena

Isabelle Huppert, este lunes en Madrid. / DIEGO LA FUENTE

Este pasado fin de semana, Isabelle Huppert estuvo en Madrid representando la obra de teatro (en puridad, un monólogo de ella acompañado de actores que no hablan) Bérénice, todo un artefacto dramático para crear una versión libérrima del clásico de Jean Racine concebida y dirigida por el italiano Romeo Castellucci. El lunes, Huppert promocionó la película La mujer más rica del mundo, otra versión libérrima, en este caso de la extraña relación entre la octogenaria Liliane Bettencourt, dueña del imperio L'Oréal, que al final de su vida regaló cientos de millones de euros al fotógrafo François-Marie Banier. A Banier la familia de la anciana empresaria acabaría acusando en los tribunales de aprovecharse de ella de forma abusiva. ‌ Aquí está la crítica de la película, que se sustenta en el talento de Huppert (la ha escrito Elsa Fernández-Santos)... Y el lunes me fui a ver a Huppert, con la que siempre hay que mantener combates dialécticos: es dura, exigente, y mira, a veces se agradece un poco de rock&roll. La francesa ya ha cumplido 73 años, no ha bajado su ritmo, y le gustó comparar la obra, sobre la princesa judía enamorada del emperador romano Tito, y la millonaria. “En el arte también nos interesa la miseria humana, la soledad... Aunque sí, la riqueza genera muchas fantasías en el ser humano, y la miseria solo provoca pena”. Inconsciente o conscientemente, casi todos los humanos ansían poseer poder y/o dinero. “Curiosamente, provocan muchos interrogantes. Son casi tan inalcanzables, que quienes los tienen son sospechosos de forma automática”. Huppert me habló de muchas cosas, incluso de la añoranza por Claude Chabrol, en esta entrevista.

Tremendo el éxito de ‘Kill Bill: The Whole Bloody Affair’

Uma Thurman, en la secuencia de la pelea que se estrenó en blanco y negro y ahora, en la versión alargada, se puede ver en color,

Ya os dije que hace ocho días estuve en el estreno en Madrid de la copia en 70 milímetros de Kill Bill: The Whole Bloody Affair, para disfrutar del evento y poder rematar este reportaje, sobre esas cuatro horas y media (incluye un descanso de 15 minutos). No nos engañemos: es, probablemente, la película de Tarantino con peor guion (no deja de ser Uma Thurman pegándose con alguien una y otra vez, aunque el desorden cronológico en el que se cuenta le dé más empaque) y en la que usó mayor número de referencias sin que hiciera ningún esfuerzo por esconderlas. Es más, las subraya. Sin embargo, puede que sea su obra más gozosa, en la que dejara disfrutar más a su niño interior. Ahí está toda la imaginería asiática que tanto le gusta. Además, con Kill Bill aprendió a rodar secuencias de acción. Y en la que creó una leyenda, Beatrix Kiddo, una heroína en la que se zambulló Uma Thurman otorgándole su aura y su presencia. ‌ Aquí os cuento todo el proceso de creación y las novedades, entre ellas que se ha eliminado el diálogo en el que Bill revelaba al final de la primera parte que la hija de la Novia está viva. En ambas versiones, la Novia se entera de la existencia de su hija en la recta final; en The Whole Bloody Affair, el público descubre la existencia de la hija junto con la protagonista. También ha desaparecido la secuencia en coche de Thurman al inicio del Volumen 2 hablando a la cámara; ha aumentado de tamaño la secuencia de anime que explicaba el origen de O-Ren Ishii (Lucy Liu). Y la impresionante pelea de la Casa de las Hojas Azules, donde La Novia se enfrenta a decenas de secuaces de O-Ren (los llamados 88 maníacos, trajeados de negro como los personajes de Battle Royale), se ha ampliado ligeramente. Y sobre todo, ya es en color. Sangre a raudales, manchones en el chándal amarillo de Beatrix. Por cierto, no se ha recuperado una secuencia extra que había en el DVD, con el lucimiento en artes marciales de Bill. ‌ Y desde luego, lo que me ha llamado la atención es su éxito en las salas. Ha entrado cuarta en recaudación total durante el pasado fin de semana, y eso que algunos cines la proyectan solo una vez al día y otros dos (428.112 euros y media de 1.853 euros por pantalla, la tercera mejor). Gran triunfo: Beatrix estará contenta.

Lo que estoy leyendo: viva las folclóricas

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Cada uno tiene sus pasiones, y a Juanra López le van las folclóricas. Y por ello ha publicado el libro Yo, folclórica (Ediciones Agoeiro), en el que analiza este grupo de artistas. Conozco bien la pasión de Juanra (sí, yo mismo salgo en el libro por la parte cinematográfica) y su defensa de estas creadoras, como apunta en el prólogo: “Hasta la RAE recoge la siguiente acepción: ‘Persona que se dedica al cante flamenco o aflamencado (utilizado en sentido despectivo)’. Sin embargo, fueron estas mujeres quienes abrieron caminos nuevos en una dictadura autárquica que, paradójicamente, no cercenó las posibilidades de trascender nuestras fronteras de un género que no era de vencedores ni de vencidos en una España partida en dos. Pocos gestos son más democráticos y conciliadores que una tonadilla bien defendida en un escenario”. ‌ Cada uno de los 25 capítulos está dedicado a una folclórica distinta y Juanra ha hablado con todo el mundo que ha podido darle información. Y eso hace que al libro de un apasionado se una el ojo de un periodista, que cuenta historias, pero que no da por ciertos los rumores. Pues eso, que con Yo, folclórica pasaréis un gran rato.

Otros temas interesantes    Aún queda mucho que comentar:

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Informe anual de las salas de cine en España. El martes la Federación de Cines de España (FECE), que agrupa a la mayoría de las salas en España (mayoría, no todas), lanzó su informe anual. Además de las ya conocidas cifras de taquilla de 2025, en el informe se podía leer que, pese al retroceso de público, se mantiene el número de salas, con 760 cines (+1,1%), 3.562 pantallas (+0,1%) y 732.080 butacas. El mejor fin de semana para las salas fue el del 26-28 de diciembre, en el que se recaudó 9,9 millones de espectadores, y el día más taquillero, el 2 de julio, con 554.244 euros. La Comunidad de Madrid ha liderado el listado autonómico con 13,9 millones de espectadores, seguida de Cataluña, con 11,9 millones, y Andalucía, con 9,4 millones. Por cierto, una queja en la que FECE lleva toda la razón: las Comunidades Autónomas son las responsables de repartir las ayudas a las salas (cuestión de transferencias), y cuatro de ellas no lo han hecho. Lo subrayaron el presidente de FECE, Álvaro Postigo, y la directora general, Almudena Fernández-Golfín, que reclamaron un reparto “no discriminatorio” de las ayudas del ICAA al sector. Según el informe, Aragón, Asturias, Extremadura y La Rioja no ejecutaron estas ayudas, lo que dejó a sus cines sin este apoyo. Además, el informe recoge diferencias en la distribución territorial, con importes por pantalla que van desde los 1.782 euros en Madrid y 2.277 en Andalucía, hasta los 3.807 en Cantabria y los 3.632 en Navarra. Y todo esto, justo cuando estas semanas están siendo impresionantes en recaudación para el cine español.

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Más de dos mil cineastas firman contra la fusión de Warner y Paramount. El lunes más de mil profesionales del cine firmaron una carta abierta en la que denuncian que la operación “perjudicará a una industria del entretenimiento ya en dificultades, provocando menos oportunidades para los creadores, menos empleo en el ecosistema de producción, mayores costes y menos opciones para el público”. Al día siguiente ya eran el doble, superando los 2.000, y el listado crece y crece, preocupados por “el fuerte descenso en el número de películas producidas y estrenadas y una reducción en la diversidad de historias que reciben financiación y distribución”. Somos conscientes de que, efectivamente, esta fusión es un terremoto, ¿verdad? Por cierto, el otro antiguo rival por la adquisición de Warner, Netflix, ha anunciado una mejora de resultados (que, por cierto, no han sido tan buenos como lo que se esperaba), gracias a los  2.800 millones de dólares recibidos desde Warner Bros. Discovery para romper el acuerdo de venta que mantenía con Netflix por 78.000 millones de dólares. Vamos, que como rompieron el contrato de arras... A la vez, se ha anunciado la retirada del cofundador (se olvida demasiado a menudo que no fue su invento) y presidente de Netflix, Reed Hastings, que dejará el consejo de administración después de casi tres décadas al frente de la compañía.

Aina Clotet, en Viva.

Aina Clotet llevará su primer largo a Cannes. Los diversos festivales que se celebran en Cannes en las mismas fechas que su hermano mayor –es decir, la Quincena de los Cineastas, la Semana de la Crítica y ACID–, han ido anunciando su programación. Y ahí ha entrado la directora, guionista y actriz Aina Clotet con su primer largometraje, Viva, tras codirigir y crear la serie Esto no es Suecia. Su filme está ambientado en un futuro marcado por la sequía brutal y cuenta la historia de Nora, una mujer que retoma el control de su vida tras superar un cáncer de mama. Sus planes con su pareja de toda la vida se tambalean con la llegada de Max, un hombre más joven y libre con quien inicia una relación apasionada. En ACID hay dos películas de directores iraníes. Ah, y la Quincena de Cineastas tendrá una programación brutal: allí se verán los últimos trabajos de Radu Jude, Quentin Dupieux, Lisandro Alonso, Dominga Sotomayor, Kantemir Balagov y Alain Cavalier.

Alejandro Amenábar, en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, en el inicio de la proyección este martes  de Tesis por su 30º aniversario. / JAIME VILLANUEVA

‘Tesis’ cumple 30 años. Madre mía, hay cumpleaños que descoyuntan la moral. El 12 de abril de 1996 se estrenó en los cines Tesis, el primer largometraje de Alejandro Amenábar. Se había rodado el verano anterior, en (su mayor parte) en la Facultad de Ciencias de la Información de la UCM (me lo sé, porque yo estuve allí, pero otro día os lo cuento). El martes, en su  salón de actos abarrotado de esa misma Facultad, 400 personas vieron Tesis, la mayoría por primera vez. A Amenábar se le vio suelto, feliz, contando anécdotas fantásticas y aportando sabiduría. Y de paso, anunció la remasterización de Tesis, porque nunca se ha visto como él quiso. Y no hablamos de montaje: “Antes se filmaba a 24 fotogramas por segundo, mientras que las televisiones emitían a 25 fotogramas. Por eso, cuando se rodaban películas donde aparecían monitores, para sincronizar los procesos y las imágenes se trucaba uno de los dos elementos. Alguien, no diré su nombre, decidió que Tesis se filmara a 25 fotogramas por segundo, aunque se proyectara a 24. Por eso la película dura unos cinco minutos más de lo que en realidad debería ser”. Cuando el cineasta vio una versión 4K australiana de Tesis, decidió encarar la tarea y ajustar correctamente en velocidad el thriller. “Quiero también que tenga sonido 5.1, lo que ayudará a mejorar y limpiar las dinámicas entre los personajes, y quitaré un plano que sobra”. Aquí os cuento cómo fue la jornada.

Eva Libertad, recibiendo el galardón junto al incombustible productor Mike Downey.

‘Sorda’ gana el premio LUX del público otorgado por el Parlamento Europeo. Sorde, de Eva Libertad, aún sigue recogiendo premios. El último, el premio LUX que otorga el Parlamento Europeo. Es, si no me equivoco, la primera película española que lo ha ganado, y competía, cuidado, junto a Valor sentimental, de Joachim Trier; Un simple accidente, de Jafar Panahi; Love Me Tender, de Anna Cazenave, y Christy, de Brendan Canty. En el Premio del Público LUX votan conjuntamente el público europeo y los eurodiputados y cada grupo representa el 50% del resultado final.

Estrenos de la semana

Arriba hemos hablado de La mujer más rica del mundo. Vamos con otra descarga, empezando por la tan salvaje y sorprendente como tierna Un poeta: ‌ ‘Un poeta’. Simón Mesa Soto.

Ubeimar Ríos, en Un poeta.

A Boyero también (digo también porque somos muchos los fans) y explica: “El protagonista puede irritarte, pero también le compadeces. Y a pesar de que todo puede ser extremo, despide un aura inconfundible de verdad. Diálogos y personajes tienen el poder de que no te desentiendas de ellos”. ‌ Aquí la crítica completa. ‌ ‘Prime Crime’: A True Story. Gus Van Sant.

Dacre Montgomery y Bill Skarsgård, en Prime Crime: A True Story.

Apunta Javier Ocaña: “Gus Van Sant regresa con un ejercicio de estilo que homenajea (y emula) el cine de los años setenta, particularmente el de Sidney Lumet, en una historia con no pocos paralelismos con Tarde de perros”. Y aquí, la crítica. ‌ ‘Renoir’. Chie Hayakawa.

Yumi Kawai (izquierda) y Yui Suzuki, en Renoir.

Comenta también Ocaña que la cineasta japonesa “centra su mirada en una niña de 11 años a la que las circunstancias parecen querer convertir en una adulta precoz: padre con cáncer terminal y madre seca, distante y superada por la coyuntura, incapaz de entrever la soledad de su hija”. ‌ Aquí, la crítica completa. ‌ ‘Landa’. Gracia Querejeta y Miguel Olid.

Alfredo Landa, en Atraco a las tres, su primera película.

Escribe Elsa Fernández-Santos: “Una puerta de entrada bien articulada a través de cabezas parlantes, recuerdos y películas con los que Querejeta y Olid sirven un estimulante ejercicio de sol y sombra que huye de la hagiografía de un actor fuera de serie al que nadie esperaba”. ‌ Y aquí, la crítica completa. ‌ Me despido recordando a Valerie Lee, la actriz que ha fallecido a los 94 años, y que probablemente sea la última superviviente que quedaba de El mago de Oz de 1939: ella fue una de las munchkins del musical con Judy Garland, y a esos munchkins infantiles les apodaron los munchkids. También ha muerto un mito de los cinéfagos, el italoalemán Mario Adorf, que con su bigotillo triunfó en más de 200 películas. Ah, y ha fallecido John Nolan, el actor que era tío de los Nolan. ‌ En X y BlueSky, para cualquier consulta, soy @gbelinchon.‌ ‌

SOBRE LA FIRMA GREGORIO BELINCHÓN Es redactor de la sección de Cultura, especializado en cine. En el diario trabajó antes en Babelia, El Espectador y Tentaciones. Empezó en radios locales de Madrid, y ha colaborado en diversas publicaciones cinematográficas como Cinemanía o Academia. Es licenciado en Periodismo por la Universidad Complutense y Máster en Relaciones Internacionales.